1. Kazimir Malevic
Affascinato dalla velocita e dalla tecnologia corrispondente come aeroplani e automobili, l’artista nato a Kiev Kazimir Malevich (1878-1935) si uni al compositore Mikhail Matyushin e allo scrittore Alexei Kruchenykh nel 1913 per creare un manifesto per il Primo Congresso futurista. Basandosi sulla sua passione per gli aeroplani, Kazimir Malevich presento la sua famosa astrazione geometrica Composizione suprematista: Bianco su bianco alla mostra del 1915 0.10: L’ultima mostra futurista, tenutasi a Pietrogrado. Un quadrato bianco adagiato su uno sfondo bianco, apparentemente fluttuante senza alcun legame con la nostra realta fisica, White on White di Malevich ha cercato di creare la sensazione di trascendenza che associava agli aeroplani e alla fotografia aerea. Il dipinto era radicale per l’epoca, e sebbene la scelta del bianco potesse essere vista come impersonale o fredda;
2. Josef Albers
L’artista tedesco-americano Josef Albers (1888-1976) e considerato uno dei principali leader nella teoria del bianco e nero e del colore. Dopo aver studiato arte presso la famosa scuola d’arte, design e architettura del Bauhaus; e diventato un professore li. Quando la scuola fu chiusa dai nazisti nel 1933, Albers e la moglie Annie Albers, artista del Bauhaus, si trasferirono in America. In America divenne il capo del Black Mountain College, una nuova scuola di arte e design nella Carolina del Nord che aveva assorbito l’ideologia del Bauhaus e molti istruttori. Durante la sua permanenza al Black Mountain College, Albers inizio a insegnare, creare e sperimentare la teoria dei colori. Nel 1949, Albers lascio il Black Mountain College per servire come capo del dipartimento di design dell’Universita di Yale, allo stesso tempo inizio la sua esplorazione di 25 anni della sua serie Homage to the Square.
“Se uno dice ‘rosso’ (il nome di un colore) e ci sono 50 persone che ascoltano, ci si puo aspettare che ci siano 50 rossi nella loro mente. E si puo essere certi che tutti questi rossi saranno molto diversi”.
Eccezionalmente semplice nel concetto, ma straordinariamente efficace, la serie Homage to the Square di Albers e composta da quattro quadrati applicati ad olio sovrapposti su un pannello in masonite. Mai dipinti, i suoi pezzi sono stati applicati da una spatola direttamente sul pannello e i dettagli tecnici per la creazione di questi pezzi sono stati meticolosamente registrati sul retro di ciascuno. Una serie creata per esplorare l’inganno del colore e l’importanza della percezione visiva, il libro di Albers Interaction of Color , pubblicato nel 1963, puo essere visto come il culmine di questa esplorazione seminale.
3. Ad Reinhardt
Adolph Frederick Reinhardt, piu comunemente noto come Ad Reinhardt (1913-1967) e stato un pittore astratto attivo nella scena artistica di New York dagli anni ’30 agli anni ’60. Meglio conosciuto per aver plasmato il volto dei movimenti pittorici minimalisti e monocromatici, Reinhardt era un membro degli artisti astratti americani ed era attivo nel movimento dell’espressionismo astratto che si svolgeva alla Betty Parsons Gallery. Ispirato dal quadrato nero di Kazimir Malevich , Reinhardt ha prodotto i suoi dipinti neriserie dal 1954 al 1967. Una serie pionieristica e conclusiva allo stesso tempo, li ha proclamati “gli ultimi dipinti che si possono realizzare” poiche credeva che le opere fossero l’evoluzione finale del Modernismo. La serie e composta da dipinti a olio neri tenui su tela, che esprimono tutti cambiamenti molto sottili di tono e ombra che conferiscono una complessita contraddittoria alla sua semplicita. Reinhardt era profondamente filosofico e spiego i suoi Dipinti neri :
“Come artista vorrei eliminare praticamente il simbolico, perche il nero e interessante non come colore ma come non colore e come assenza di colore”.
Un riflesso e una reazione al clima dell’America della Guerra Fredda: le riflessioni di Reinhardt sotto forma di quadrati monocromatici possono essere viste come il suo desiderio di creare opere d’arte in grado di superare i terrori e le lotte dell’antagonismo e della guerra.
4. Franco Stella
“Quello che vedi e quello che vedi” Frank Stella (1936-) ha spiegato in un’intervista radiofonica del 1964 sulla sua serie Black Paintings quando aveva solo vent’anni. Con un’educazione nella storia ma una passione per l’arte, Stella si trasferi a New York City nel 1958 e fu ispirata dalle strisce e dagli anelli di colori di Jasper Johns mostrati nella sua prima mostra personale. Solo un anno dopo, all’eta di 23 anni, quattro dei dipinti di Stella furono inclusi nella mostra dei 16 americani al Museum of Modern Art nel 1929. Quei quattro dipinti furono l’inizio di una serie di 23 dipinti neri , cosi come la sua reputazione come un artista scioccante e di talento. Preparando il terreno per artisti minimalisti ovunque, i Black Paintings di Stellaha cercato di separarsi dall’esperienza umana e invece di creare una nuova alfabetizzazione visiva. Allontanandosi dall’emotivita prevalente dell’espressionismo astratto, le sue opere non contenevano ambiguita e un’intenzione chiara. I dipinti neri di Stella con linee bianche ad angolo su una tela nera dipinta hanno creato motivi ipnotizzanti e occasionalmente vertiginosi senza significati nascosti.
“La mia pittura si basa sul fatto che li c’e solo cio che si vede. E davvero un oggetto. . . Tutto quello che voglio che qualcuno esca dai miei dipinti, e tutto quello che io ottengo da loro, e il fatto che puoi vedere l’intera idea senza alcuna confusione… Quello che vedi e quello che vedi. “
Stella e diventata l’artista piu giovane a esporre una mostra personale al Museum of Modern Art di New York e da allora ha creato centinaia di opere d’arte. Tuttavia, i suoi dipinti neri sono da notare nella storia per aver aperto le porte alla possibilita della creazione dell’arte esterna all’emozione e all’esperienza umana.
5. Yves Klein
L’artista francese Yves Klein (1928-1962) ha fatto un nuovo passo come artista quando ha creato un nuovo colore: International Klein Blue. Sviluppato in collaborazione con Edouard Adam, un fornitore francese di vernici, il pigmento utilizza un legante di resina sintetica per sospendere il colore e rendere la tonalita il piu intensamente blu oltremare possibile.
Klein e stato associato al colore nel momento in cui ha dichiarato il cielo blu come la sua prima opera d’arte. Da li, il suo International Klein Blue e diventato un appuntamento fisso quasi costante nelle sue opere, utilizzando la pittura per creare astrazioni monocromatiche che coprivano intere immense tele. In un caso memorabile, ha persino creato un pezzo con solo il pigmento e i corpi delle donne su tela. Klein considerava la pittura monocromatica come liberta e ne proclamava l’uso come gli permettesse di essere “immerso nell’esistenza incommensurabile del colore”.
6. Lucio Fontana
Conosciuto come il fondatore dello spazialismo, l’artista italo-argentino Lucio Fontana (1899–1968) e meglio conosciuto per la sua integrazione della tridimensionalita nei suoi dipinti. La sua serie di dipinti monocromi Concetto Spaziale (Concetti spaziali) acquista violentemente la sua terza dimensione, con un taglio o una perforazione della tela, che lascia buchi e segni di taglio nell’opera. Questi pezzi evidenziano lo spazio dietro l’immagine, avvisando il pubblico di nuovi spazi e forme. Interessato ai proclami futuristi prima della prima guerra mondiale, Fontana ha cercato di integrare i suoi materiali e le sue opere nello spazio in modi nuovi creando un linguaggio espressivo gestuale attraverso il movimento.
7. Robert Ryman
Meglio conosciuto per i suoi dipinti bianchi su bianco minimalisti e monocromatici, l’artista americano Robert Ryman (1930-2019) si considerava prima di tutto un realista, spiegando:
“Non sono un pittore di quadri. Lavoro con la luce e lo spazio reali e, poiche la luce reale e un aspetto importante dei dipinti, presenta sempre dei problemi”.
Interessato a presentare i suoi materiali in modo semplice e serio, i pezzi di Ryman presentano una vernice bianca o biancastra su un materiale quadrato. Utilizzando pennellate di ispirazione espressionista astratto, si e divertito a sperimentare con i suoi media, non limitandosi alle tele tradizionali ma incorporando anche lino, acciaio, carta da parati, tavole di piume, carta da giornale, tela da imballaggio e molte altre superfici per l’applicazione delle sue opere monocromatiche.
8. Agnese Martin
Le opere astratte dell’artista canadese-americana Agnes Martin (1912-2004) ispirate alla natura sono la prova della sua affermazione del 1972 che “Tutto puo essere dipinto senza rappresentazione”. Il suo motivo caratteristico di una griglia a mano libera fornisce una base per i suoi dipinti monocromatici di linee orizzontali e verticali intrecciate. Creati quasi esclusivamente su sei piedi quadrati di tela, i suoi dipinti liberamente geometrici interagiscono con l’organico e il naturale.
Cambiare scala, colore e ritmo in ogni opera; i suoi dipinti a griglia sono solo in qualche modo sistematici, specialmente se confrontati con il lavoro di altri artisti minimalisti. Il suo uso di pastelli e colori tenui, lavori di grafite leggera e trattini o puntini occasionali creano un ambiente per una riflessione profonda e una contemplazione tranquilla: un momento di riverenza tra l’opera e il suo pubblico.
9. Ellsworth Kelly
Sebbene possa essere meglio conosciuto per il suo impiego e la combinazione di colori vivaci, circa il venti percento dei dipinti di Ellsworth Kelly (1923-2015) sono stati completati in bianco e nero. Il pittore, scultore e incisore americano e sempre stato interessato alle forme che lo circondavano nella vita di tutti i giorni e, quindi, ha giocato con esse nella sua arte.
Lavorando in bianco e nero, le distrazioni del colore e dei suoi significati corrispondenti sono state rimosse e Kelly ha potuto godere di nuove liberta per concentrarsi esclusivamente sulla forma. Geometrici e organici, i suoi pezzi monocromatici occasionalmente copiavano direttamente forme della vita reale, come la sua famosa Finestra, Museo d’Arte Moderna, Parigi, creata per corrispondere nell’aspetto e nella dimensionalita a quella di una finestra che aveva incontrato nel museo. Le sue opere monocromatiche variano ampiamente nel mezzo, dai dipinti alla scultura, ma rimangono tutte sorprendenti meditazioni sulla forma; privo dell’intrusione dei rapporti tra i colori.
10. Olivier Mosset
Membro integrante del gruppo artistico minimalista parigino BMPT, l’artista svizzero Olivier Mosset (1944-) si dedica all’esplorazione e allo sradicamento di idee fisse su cosa significhi essere un artista. Meglio conosciuto per i suoi pezzi monocromatici su larga scala, l’arte di Mosset puo essere considerata evidente e priva di metafora.
Interessato agli schemi ripetitivi e all’abolizione della soggettivita, Mosset ha prodotto oltre 200 dipinti a olio identici di un piccolo cerchio nero al centro di una tela quadrata bianca dal 1966 al 1974. Questa esplorazione e stata una sfida a nozioni preconcette di creazione artistica e tutti i suoi pezzi sono un’estensione di questa astrazione concettuale. Rappresentazione puramente di colore e forma, il suo lavoro consente infinite interpretazioni ed esperienze.
11. Gerhard Richter
In un momento di grande contrasto, l’artista tedesco Gerhard Richter (1932-) ha prodotto una serie di dipinti monocromatici, completamente grigi, subito dopo aver svelato una serie di opere dai colori vivaci. Le sue esplorazioni del grigio lo hanno spinto a spiegare il suo interesse per la tonalita,
“Il grigio e l’epitome della non dichiarazione. Non suscita sentimenti o associazioni, in realta non e ne visibile ne invisibile… Come nessun altro colore e adatto per illustrare il ‘nulla’”.
Le sue opere piatte simili a muri di cemento degli anni ’70 esploravano le sue capacita artistiche per creare una mancanza di dichiarazioni, emozioni e impressioni. Tuttavia, piu recentemente, all’inizio del secolo, Richter ha esplorato la tonalita in tandem con la riflettivita. Utilizzando il mezzo del vetro nella sua nuova collezione monocromatica Eight Grey , la superficie riflettente integra lo spettatore d’arte nell’opera stessa, enfatizzando la realta dell’esperienza e della percezione individuale.
12. Christopher Wool
Indissolubilmente legati al suo uso del monocromo, inclusi dipinti a olio di grandi lettere nere stampate su tela bianca, le opere dell’artista americano Christopher Wool (1955-) esplorano l’intersezione e le lacune tra il rivelato e il nascosto.
Wool first serigrafa elementi monocromatici che ha tratto da fotografie o immagini riprodotte dai suoi stessi dipinti su una tela. Quindi applica uno strato dopo l’altro di vernice bianca alle opere. Questa stratificazione crea un effetto di sbavatura, cancellazione e velatura, producendo una sensazione di effimera il fantasma del suo lavoro precedente. I palinsesti risultanti possono quindi essere visualizzati allo stesso modo per cio che mostrano, cosi come per cio che nascondono.