I migliori paesaggisti contemporanei

Richard Diebenkorn era un artista americano del dopoguerra piu ampiamente associato al movimento della Bay Area di San Francisco, un gruppo di artisti nei primi anni ’60 che arruffo le piume della generazione dominante dell’espressionismo astratto tornando a una modalita pittorica figurativa.

Diebenkorn aveva trascorso del tempo sulla costa orientale, dove ha esplorato principalmente l’astrazione nel suo lavoro. Tuttavia, quando torno in Occidente e si tolse dalla sua pratica cio che derideva come un approccio altamente basato su regole e programmatico all’astrazione, torno alla topografia del paesaggio della California come suo soggetto principale. Ha usato le forme ei colori del paesaggio della California settentrionale come struttura strutturale per i suoi dipinti; strutture a griglia, punti panoramici simili a quelli aerei e un visibile piacere nell’infondere la materialita della sua pittura con la luce unica della regione. Le tele burrascose e altamente astratte di Diebenkorn sono paesaggi per sentimento e suggestione.

Nessuna indagine del paesaggio nell’arte moderna e contemporanea sarebbe completa senza David Hockney. Tuttavia, questo artista britannico, trapiantato in California, ha fatto molta strada dai suoi famosi paesaggi in piscina di Malibu e Santa Monica degli anni ’60 e ’70. Iniziando la sua carriera artistica al Royal College of Art tra la fine degli anni ’50 e l’inizio degli anni ’60, la vita lavorativa di Hockney e stata strettamente associata ai movimenti della pop art e anche all’espressionismo pittorico. Ha sperimentato ampiamente varie metodologie per realizzare opere paesaggistiche, inclusi acquerelli, collage di foto, composizioni monumentali costituite da piu tele piu piccole realizzate all’aperto e poi assemblate all’interno, e persino opere realizzate con l’assistenza di software e iPad. Indissolubilmente associato al sole della California meridionale,

Spesso inteso come artista pop della West Coast, Thiebaud e diventato sinonimo dei suoi studi di nature morte ingannevolmente semplici e colorati di oggetti degli anni ’60, in particolare il cibo, gli oggetti e le disposizioni della tavola dell’archetipo della vita da tavola calda americana. Thiebaud inizio a produrre paesaggi negli anni ’60, impiegando la sua caratteristica tavolozza esagerata color caramella e la tecnica pittorica meticolosa mentre sperimentava una prospettiva vertiginosa per catturare i suoi dintorni californiani. Il paesaggio ha offerto a Thiebaud l’opportunita di esplorare questioni formali, non necessariamente le specifiche dei luoghi che ha rappresentato. “Il tentativo e di esprimere nel modo piu efficace possibile un senso di equilibrio e di squilibrio, in modo che siano alquanto sconfortanti. La pittura e un oggetto piatto e morto e quando stai cercando di ottenere un po’ di tensione, maestosita o inquietudine,

Vija Celmins e un’artista lettone americana che e stata a lungo celebrata per i suoi meticolosi rendering di immagini naturali, tra cui onde oceaniche, fondali desertici e cieli notturni. I suoi dipinti, sculture, disegni e stampe raffigurano scene travolgenti nei loro infiniti dettagli. Celmins si interesso per la prima volta a rappresentare il mondo visibile all’inizio degli anni ’60, quando inizio a dipingere gli oggetti nel suo studio di Los Angeles. Nel 1961 vinse una borsa di studio per partecipare a una sessione estiva alla Yale University, dove incontro Chuck Close e Brice Marden, che sarebbero rimasti amici intimi. Fu durante questo periodo che inizio a studiare il pittore di nature morte italiano Giorgio Morandi, che influenzo la semplicita dei soggetti che raffigurava e la tonalita ridotta. Alla fine degli anni ’60, quando sviluppo per la prima volta le sue composizioni di onde all-over, rocce e corpi celesti, aveva messo da parte la pittura a favore della grafite e del carbone. Usando le fotografie come materiale di partenza, usa una tecnica fotorealistica in grigio tenue, concentrandosi sulla qualita dell’oggetto dell’opera finita, in contrasto con l’argomento di essa. E come se l’infinita estensione del paesaggio implicata dall’aspetto “ritagliato” dell’immagine potesse essere compresa solo se tenuta prigioniera da un oggetto di modeste dimensioni. Distillando vaste ed estese distanze in opere d’arte ipnotizzanti e su piccola scala, queste “ridescrizioni” sono un modo per comprendere la coscienza umana in relazione all’esperienza vissuta. in contrasto con l’oggetto di esso. E come se l’infinita estensione del paesaggio implicata dall’aspetto “ritagliato” dell’immagine potesse essere compresa solo se tenuta prigioniera da un oggetto di modeste dimensioni. Distillando vaste ed estese distanze in opere d’arte ipnotizzanti e su piccola scala, queste “ridescrizioni” sono un modo per comprendere la coscienza umana in relazione all’esperienza vissuta. in contrasto con l’oggetto di esso. E come se l’infinita estensione del paesaggio implicata dall’aspetto “ritagliato” dell’immagine potesse essere compresa solo se tenuta prigioniera da un oggetto di modeste dimensioni. Distillando vaste ed estese distanze in opere d’arte ipnotizzanti e su piccola scala, queste “ridescrizioni” sono un modo per comprendere la coscienza umana in relazione all’esperienza vissuta.

April Gornik e una paesaggista che dipinge tele monumentali che mostrano la maestosita del paesaggio americano. Legato agli obiettivi di gruppi storici come i pittori della Hudson River School, Gornik cerca anche di mostrare il potere della natura e i sentimenti del sublime che evoca nello spettatore. I suoi lavori sono spesso fortemente incentrati sulle formazioni nuvolose. “Ora creo i miei paesaggi in modo da poterci essere dentro”, ha osservato l’artista. “Ecco perche le altero, ecco perche le rendo un po’ artificiali, perche voglio impossessarmene.” Anche se non e un’attivista ambientale con il suo lavoro in se, e un’appassionata amante della natura e crede profondamente nel suo potere spirituale. 

I dipinti in scala intima di Ilse D’Hollander mostrano un senso del colore, della composizione, della scala e della superficie molto sviluppato, il piu delle volte attraverso l’uso di toni sottilmente tenui e semplici composizioni ridotte. Molte delle sue opere favoriscono una sorta di astrazione lirica intrisa di un tono riflessivo, ma un numero quasi uguale allude a spazi fisici e paesaggi, in particolare le ampie distese terrose del paesaggio fiammingo vicino a casa sua. Considerata una vera artista d’artista, era una pittrice con un’incredibile abilita al tatto. Le sue tele e le sue opere su carta spesso prediligono l’astrazione, ma alludono sottilmente al quotidiano, alludendo alla natura e al paesaggio della campagna fiamminga dove trascorse gli ultimi e piu produttivi anni della sua vita. Tuttavia, pur alludendo a oggetti e luoghi nel mondo, nonche a specifiche di temperatura e luce, I dipinti di D’Hollander sono raramente immediatamente riconoscibili come paesaggi diretti o letterali. Lo spettatore e attratto da vicino, tanto dall’ambiguita dell’immagine quanto dalla scala intima che invita anche allo scrutinio. I campi monocromatici o quasi monocromatici potrebbero essere interrotti da blocchi di colore; volumi geometrici addolciti da striature di pittura o segni di sbavature – applicati con il pennello oa volte con le mani dell’artista. I risultati possono essere letti come una serie di impressioni accumulate, aggiustamenti e stratificazioni all’interno delle sue composizioni giudiziosamente ridotte: i processi mentali dell’artista commemorati e registrati dalla realizzazione dell’opera. I campi monocromatici o quasi monocromatici potrebbero essere interrotti da blocchi di colore; volumi geometrici addolciti da striature di pittura o segni di sbavature – applicati con il pennello oa volte con le mani dell’artista. I risultati possono essere letti come una serie di impressioni accumulate, aggiustamenti e stratificazioni all’interno delle sue composizioni giudiziosamente ridotte: i processi mentali dell’artista commemorati e registrati dalla realizzazione dell’opera. I campi monocromatici o quasi monocromatici potrebbero essere interrotti da blocchi di colore; volumi geometrici addolciti da striature di pittura o segni di sbavature – applicati con il pennello oa volte con le mani dell’artista. I risultati possono essere letti come una serie di impressioni accumulate, aggiustamenti e stratificazioni all’interno delle sue composizioni giudiziosamente ridotte: i processi mentali dell’artista commemorati e registrati dalla realizzazione dell’opera.

Peter Doig e un artista scozzese, che da bambino si e trasferito prima nei Caraibi e poi in Canada, dove e cresciuto. Le sue opere evocano una narrativa strana e ambigua, spesso con un’atmosfera stucchevole o inquietante. Spesso descritte come dotate di un “realismo magico”, le opere sono rese da fotografie, non per replicare la precisione dell’immagine fotografica ma per fare riferimento a elementi di memoria e registrazione. In un’intervista del 2008, Doig ha definito il suo uso di fotografie e cartoline un dipinto “per procura” e ha notato che i suoi dipinti “non hanno fatto alcun tentativo di riflettere l’ambientazione”. Molti dei dipinti di Doig sono paesaggi, in qualche modo astratti, con un numero che rimanda alle scene innevate della sua infanzia in Canada. Trae ispirazione per il suo lavoro figurativo da diverse fonti fotografiche; ritagli di giornale, scene di film, registrare le copertine degli album e il lavoro di artisti precedenti come Edvard Munch, le cui opere possono essere descritte come tentativi di trasmettere un profondo stato psicologico. I suoi paesaggi sono stratificati formalmente e concettualmente e attingono ad artisti storici dell’arte assortiti, tra cui Caspar David Friedrich, Claude Monet e Gustav Klimt.

Etel Adnan e un poeta, saggista e artista visivo libanese-americano. Nel 2003, Adnan e stato nominato “probabilmente l’autore arabo-americano piu celebrato e affermato oggi” dalla rivista accademica MELUS: Multi-Ethnic Literature of the United States. Dal 1950 circa vive in California, dove ha lavorato per la maggior parte della sua vita adulta come accademica. Negli ultimi anni, e relativamente tardi nella vita, ha ottenuto consensi in tutto il mondo per i suoi dipinti. Colore e luce sono le due dinamiche che informano la serie in corso di Adnan di dipinti di paesaggi del Monte Tamalpais (Marin County, California). Adnan ha affermato che “la luce e tutto per me” e la luce solare espressa nei suoi dipinti e in altre opere e spesso stilizzata e mostrata come il principale motivo compositivo. Conosciuto come un eccezionale colono,

Lucas Arruda e un pittore brasiliano contemporaneo noto per la luminosita altamente atmosferica dei suoi dipinti. Percepiti come paesaggi, i suoi dipinti evocativi sono piu il prodotto di uno stato d’animo che la rappresentazione di luoghi particolari. Come ha notato, “L’unico motivo per chiamare i miei lavori paesaggi e culturale: e semplicemente che gli spettatori registrano automaticamente il mio formato come paesaggio, sebbene nessuna delle immagini possa essere ricondotta a una posizione geografica. E l’idea del paesaggio come struttura, piuttosto che come luogo reale”. I paesaggi e i paesaggi marini di Arruda sono caratterizzati da condizioni di luce leggermente modulate. Dipinti a memoria, sono privi di punti di riferimento specifici, raggiungendo invece la loro varieta attraverso la rappresentazione di vari tipi di bagliori atmosferici, che ricordano forse condizioni meteorologiche, orari del giorno o persino stagioni diversi. Al limite dell’astrazione, le composizioni sono fondate su una linea dell’orizzonte sempre presente, anche se a volte debolmente percettibile, che offre un senso di distanza e l’implicazione della prospettiva o dello spazio atmosferico. Di taglia intima, appaiono allo stesso tempo familiari e immaginari. Attraverso le sue pennellate leggermente strutturate, Arruda mette in primo piano la matericita e la fisicita della sua pittura, ricordando anche le associazioni storiche dei generi con il sublime romantico.

Harold Ancart e un artista belga con sede a New York City. Noto per i suoi colori audaci e le sue composizioni forti, stilisticamente alcune delle quali hanno una vaga somiglianza con le opere espressioniste astratte di Clyfford Still. Molte delle sue opere sono dipinti di paesaggi, sebbene lo stesso Ancart abbia descritto i suoi soggetti come pretesti per esplorare preoccupazioni pittoriche piu formali. Nelle opere paesaggistiche di Ancart la linea dell’orizzonte e ampia e lo spazio implica vasto, anche se le qualita irriducibili della pittura e del disegno sono state a lungo la sua motivazione trainante. Ancart ha ridotto le sue immagini a forme elementari mentre amplifica la scala e la tonalita. Nuvole, fuochi, iceberg e gli elementi della massa terrestre e dell’acqua sono le forme identificabili che usa per spogliare la pittura del paesaggio fino ai suoi rudimenti. L’artista ha descritto l’argomento come un “alibi” per la pittura da spingere sulla tela. Ancart crea composizioni radiose che richiamano i momenti chiave della pittura modernista, in particolare l’espressionismo astratto e la pittura sui campi di colore, estendendo il loro delicato minimalismo in una visione esuberante. Nel suo lavoro riconosce un delirante desiderio di una sorta di luogo utopico o di una fuga in stile Eden come una caratteristica costante della nostra immaginazione, ed e questo dominio fittizio che spesso cerca di rappresentare. Nei suoi dipinti ipotizza che le possibilita di un’esperienza trasformativa non siano solo in qualche modo fuori dal mondo per cui lottare, ma contenute nell’arena della pittura. in particolare l’espressionismo astratto e la pittura sui campi di colore, estendendo il loro delicato minimalismo in una visione esuberante. Nel suo lavoro riconosce un delirante desiderio di una sorta di luogo utopico o di una fuga in stile Eden come una caratteristica costante della nostra immaginazione, ed e questo dominio fittizio che spesso cerca di rappresentare. Nei suoi dipinti ipotizza che le possibilita di un’esperienza trasformativa non siano solo in qualche modo fuori dal mondo per cui lottare, ma contenute nell’arena della pittura. in particolare l’espressionismo astratto e la pittura sui campi di colore, estendendo il loro delicato minimalismo in una visione esuberante. Nel suo lavoro riconosce un delirante desiderio di una sorta di luogo utopico o di una fuga in stile Eden come una caratteristica costante della nostra immaginazione, ed e questo dominio fittizio che spesso cerca di rappresentare. Nei suoi dipinti ipotizza che le possibilita di un’esperienza trasformativa non siano solo in qualche modo fuori dal mondo per cui lottare, ma contenute nell’arena della pittura.