Arte dell’installazione: i 10 migliori artisti che hanno spinto il genere al limite

Spesso site-specific e occasionalmente negli spazi pubblici, i confini di cio che costituisce l’arte dell’installazione sono stati sfocati sin dal suo inizio come genere artistico. Sebbene l’arte dell’installazione vari ampiamente, puo essere meglio considerata come un termine generico per opere tridimensionali che mirano a trasformare la percezione dello spazio da parte del pubblico.

A volte opere d’arte di installazione temporanee, a volte permanenti, sono state costruite in spazi che vanno dalle gallerie d’arte e musei alle piazze pubbliche e alle case private e spesso avvolgeranno lo spettatore in un ambiente onnicomprensivo o all’interno dello spazio dell’opera stessa. L’arte dell’installazione si e sviluppata principalmente nella seconda meta del ventesimo secolo (sebbene ci fossero chiari precursori) con l’evoluzione sia del minimalismo che dell’arte concettuale, culminando in installazioni in cui l’idea e l’esperienza erano piu importanti del lavoro finito stesso. Guarda gli artisti di seguito, i quali hanno tutti dato un contributo unico al dialogo sull’arte dell’installazione e su come dovrebbe essere definita.

Meglio conosciuto per i collage fatti di ritagli di carta, legno, pubblicita e qualsiasi altra cosa su cui potesse mettere le mani; L’artista dadaista del 20° secolo Kurt Schwitters (1887-1948) trasformo il suo studio d’arte in un’installazione artistica con collage. La sua installazione-studio, intitolata Merzbau , e nata da un processo artistico che Schwitters ha spiegato sia come una filosofia che come uno stile di vita marchiato “ merz ”. Merz era una parola senza senso che l’artista usava per descrivere se stesso, la sua vita e il suo lavoro, il che significa che il suo Merzbau era essenzialmente il suo merz-costruzione. Nel corso degli anni il suo studio ha assunto la forma di un collage walk-in, sempre mutevole e in continua crescita, composto da colonne e stalagmiti di oggetti ritrovati. Schwitters fece crescere il suo Merzbau nel tempo, consumando alla fine otto stanze nella sua casa di Hannover dal 1923 circa fino al 1937, quando fu costretto a fuggire in Norvegia per sfuggire alla Germania nazista. Nel 1943, quando era ancora in esilio, il Merzbau fu distrutto da un bombardamento alleato, rendendo di fatto anche l’opera d’arte specifica del sito vivente di Schwitters specifica nel tempo.

Immediatamente riconoscibile e immensamente iconica, la serie di Infinity Rooms di Yayoi Kusama (1929-) ha catturato l’immaginazione del suo pubblico dal 1965 con la sua rivoluzionaria Infinity Mirror Room – Phalli’s Field . Utilizzando specchi come pareti, Kusama e stata in grado di tradurre la ripetizione delle sue opere precedenti in un’installazione artistica, una stanza apparentemente infinita tappezzata di strutture falliche in tessuto a pois. Dal 1965 ha creato piu di venti distinte Infinity Mirror Room , da scatole che ricordano i peep-show che il pubblico vede dall’esterno all’interno, a installazioni multimediali piu grandi piene di pois gonfiati specchiati internamente. Probabilmente uno dei preferiti dai fan tra gli influencer dei social media che vanno al museo sono le installazioni piene di luce di Kusama comeInfinity Mirrored Room: Aftermath of Obliteration of Eternity che presenta centinaia di lanterne sospese e lastricata d’acqua. Attingendo alla magia degli specchi, il lavoro di Kusama e in grado di ingannare i sensi e creare installazioni artistiche poetiche che parlano alle nostre risposte piu umane, creando ambienti di contemplazione esistenziale.

Per un anno esatto, dal 27 settembre 1968 al 27 settembre 1969, Marcel Broodthaers (1924-1976), poeta belga diventato artista surrealista, ha gestito un museo, il Musee d’Art Moderne, Departement des Aigles (tradotto: Museum of Modern Art , Dipartimento delle Aquile). Questo museo, o meglio, installazione artistica, si svolgeva nella sua stessa casa a Bruxelles ed era composto da diversi elementi; tra cui cartoline, una scala e numerose casse vuote. Una dichiarazione ironica sull’autenticita e sul ruolo dell’arte e dei musei nella societa, il suo Musee d’Art Moderne, Departement des Aigles ha finito per viaggiare in altre localita sotto forma di diversi dipartimenti. Portando cosi la forza delle proteste studentesche (durante le quali e stata concepita l’installazione) in tutta Europa. 

Con una profonda comprensione dell’importanza dell’architettura come riflesso delle strutture sociali dominanti, l’installazione artistica Splitting del 1974 dell’artista americano Gordon Matta-Clark e stata un atto di protesta urbana. Da marzo a giugno del 1974 Matta-Clark utilizzo una motosega per tagliare in due una casa del New Jersey acquistata dal suo commerciante Holly Solomon e destinata alla demolizione a causa della speculazione fondiaria. Dopo il brusco sfratto dei precedenti proprietari, Matta-Clark fu colpito dalla fretta con cui lasciavano i propri averi, ispirandolo a raccontare la sua Scissionedall’interno della casa verso l’esterno attraverso il film. Questo film mostra la frammentazione dello spazio domestico, con la luce e l’aria che filtrano nelle stanze attraverso massicci squarci architettonici nell’edificio, evocando sia la propria che la disintegrazione universale della famiglia. Il film e i suoi libri, fotografie e schizzi successivi forniscono la documentazione dell’evento, oltre a recitare per e parte dell’opera stessa, mentre elementi della sua pratica di “anarchitettura”, inclusi frammenti di edifici su larga scala e altri detriti sono stati in occasioni esposti come installazioni in galleria e spazi istituzionali.

Un monumento alla storia delle donne, l’installazione artistica dell’artista e scrittrice femminista Judy Chicago (1939-) The Dinner Party e composta da un enorme tavolo triangolare per banchetti con trentanove coperti. Ci sono 13 impostazioni su ciascun lato del triangolo, che rappresentano i numeri presenti in una tradizionale congrega di streghe. Ogni ambiente profondamente personalizzato e caratteristico onora una figura femminile storica o mitica: inclusi artisti, dee, accademici e attivisti e contenente un corridore finemente ricamato, un calice, utensili e piatti di porcellana dipinti in porcellana. I piatti sono di natura yonic, con forme a farfalla che rappresentano la femminilita degli ospiti d’onore al The Dinner Party, e i corridori sono ricamati sul posto nello stile e nella tecnica dell’epoca di quella donna nella storia. Il pavimento su cui si trova il tavolo onora altre 999 donne, i cui nomi sono incisi in oro sulla piastrella bianca. Originariamente una mostra itinerante, l’opera e stata creata con l’assistenza di oltre 400 volontari (principalmente donne) che hanno contribuito al ricamo e alla competenza scultorea, e ora puo essere trovata nella collezione permanente del Center for Feminist Art del Brooklyn Museum. 

A partire dal 1994 l’artista con sede a Los Angeles Jason Rhoades (1965-2006) e diventato un artista di installazione. Il suo primo lavoro di installazione, Swedish Erotica and Fiero Parts (1994) comprendeva oggetti banali come cartone, legno e polistirolo, tutti dipinti di giallo e assemblati per fare riferimento al paesaggio geografico e culturale di Los Angeles. Il suo secondo lavoro, e probabilmente uno dei suoi piu famosi, Mio fratello/Brancuzie stato creato per la Biennale di Whitney del 1995. Accostando la camera da letto del fratello con lo studio del famoso artista modernista Constantin Brancusi, ha potuto rendere omaggio all’eredita dei ready-made di Duchamp attraverso materiali banali di periferia. Rhoades ha creato molte altre installazioni artistiche nel corso della sua carriera fino alla sua morte prematura, spingendo i confini delle convenzioni sociali e infrangendo le regole non dette della pubblica decenza.

Meglio conosciuta per le sue monumentali sagome monocromatiche delle dimensioni di una stanza, l’installazione artistica dell’artista americana Kara Walker (1969-) affronta temi come genere, sessualita, razza e violenza nel suo lavoro. La sua installazione artistica e spesso accompagnata da titoli lunghi e grandiosi, tra cui Gone: An Historical Romance of a Civil War as it Occurred b’tween the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (1994) e The End of Uncle Tom and the Grand Quadro allegorico di Eva in cielo(1995) ed evocano il modo in cui i dipinti storici commemorano eventi importanti. Le sue installazioni possono essere pensate come allegorie storiche che mostrano gli orrori fisici e sessuali della schiavitu e della persecuzione razziale, inghiottendo letteralmente il pubblico all’interno della narrazione mentre si svolgono sulle pareti della stanza in cui si trovano. L’uso della silhouette da parte di Walker fornisce informazioni sufficienti sulle sue storie, pur essendo abbastanza vago per l’interpretazione, una forma riduttiva che ricorda gli stereotipi sui neri americani che cerca di svelare.

Utilizzando la facciata del Palazzo di Giustizia di Bogota come tela, l’immensa opera Noviembre 6 y 7  (2002) dell’artista colombiana Doris Salcedo e stata un atto di commemorazione per il 17° anniversario dell’assedio del Palazzo da parte dei guerriglieri M-19 e il successivo governo contrattacco nel 1985. Incentrato sul riconoscimento e sul ricordo delle morti violente, il lavoro di Salcedo ha evidenziato questo tema attraverso il suo lavoro attraverso le vittime della guerra civile in Colombia e le vittime della violenza armata di Chicago. Le sue opere poetiche sono spesso di dimensioni monumentali, costringendo il suo pubblico – che e spesso composto da passanti inconsapevoli – a ricordare questi atti violenti e impegnarsi in un atto di lutto.

Creando dichiarazioni politiche da materiali artigianali banali e quotidiani, le installazioni artistiche e le opere pubbliche dell’artista svizzero Thomas Hirschhorn sono leggendarie per la quantita di attenzione che ricevono. Le costruzioni scultoree di Hirschhorn fatte di beni di massa fanno riferimento al lavoro di teorici radicali come Gilles Deleuze e le convinzioni di Georges Bataille sul capitalismo e il consumismo. Le sue opere, come Gramsci Monument , un’importante installazione pubblica tenutasi presso le Forest Houses della New York City Housing Authority nel Bronx, creano realta distopiche alternative per i suoi consumatori; sorreggendo uno specchio della vita quotidiana su cui riflettere e reagire. Il suo lavoro piu recente, In-Between(2015) e informato dalla sua ricerca di luoghi danneggiati dalle bombe in tutto il mondo; ed e un’espressione del profondo fascino umano per la distruzione e la violenza che deriva da molte forme: disastri, cedimenti strutturali, corruzione, fatalita o guerra.

You (2007) di Urs Fischer ha portato la trasformazione attraverso la distruzione a uno spazio precedentemente standard di una galleria di New York City. Fischer strappo il pavimento di cemento della galleria e riempi il vuoto con una fossa di terra, creando un cratere di 30 piedi per 38 piedi che misurava otto piedi di profondita all’interno della galleria precedentemente incontaminata dalle pareti bianche. La creazione di questo paesaggio estraneo, ma immensamente naturale, ha fornito un ambiente stridentemente inaspettato in questo contesto; un immediato senso di pericolo unito alla consapevolezza che dove una volta c’era un pavimento, ora c’e il vuoto. In piedi ai margini dell’opera, lo spettatore e appollaiato sopra di essa ed e in grado di ammirare la vista che feticizza e allo stesso tempo rifiuta lo spazio tradizionale della galleria attraverso la sua demolizione.