“Il collage e il taglio, lo strappo, la rottura e la sovrapposizione della nostra cultura contemporanea. E il linguaggio ibrido dell’urbanita: remixato, ricontestualizzato e interamente costruito dai frammenti della vita quotidiana.
Tagliando, strappando, incollando, sovrapponendo diverse trame e materiali, i due artisti hanno iniziato a esaminare e sezionare oggetti e vita in un modo radicalmente nuovo. Da allora, artisti del collage di innumerevoli movimenti diversi, dal Surrealismo all’Espressionismo Astratto e alla Pop Art, hanno esplorato la tecnica. Gli artisti del collage contemporanei continuano a lavorare con il mezzo in modi che ci offrono nuove nozioni di cosa puo essere e come si riflette sul mondo che ci circonda. In una conversazione con lo specialista di collage Pavel Zoubok, abbiamo riflettuto sulle idee sbagliate comuni che hanno seguito l’arte del collage in giro per molto tempo.
Per uno, il collage e spesso considerato un lavoro intimo e in scala. Tuttavia, prendi un artista come Mark Bradford: sfida questa nozione con le sue opere impressionanti e su larga scala che combinano vernici standard e collage. Questo ci porta al secondo malinteso comune, che il collage non comprende mai la pittura. Artisti di collage come Bradford ci mostrano che non e cosi, cosi come David Salle, la cui pittura negli anni ’80 era assolutamente guidata da un “pensiero tipo collage” ispirato al montaggio cinematografico. Infine, le persone spesso considerano il collage inferiore ad altre forme d’arte, considerandolo un cugino di secondo grado della pittura e della scultura. Piuttosto che considerare il collage come una pura forma d’arte in se e per se, le persone tendono a vederlo come un passo verso qualcos’altro. Questa strana comprensione del collage e facilmente smantellabile quando si da un’occhiata ai ricchi, storia creativa e rivoluzionaria del collage. L’artista pop americano James Rosenquist, ad esempio, inizio realizzando collage che erano studi per i suoi dipinti su larga scala. Eppure i collage hanno iniziato ad assumere una vita propria e Rosenquist alla fine li ha presentati come potenti opere d’arte autonome.
“Mi interessa preservare la memoria della prima ‘versione grezza’ di un evento, prima che il processo della memoria prenda il sopravvento e rimodelli, addirittura deformi l’evento reale nel corso degli anni”.
Artisti famosi del collage che reinventano il mezzo
I seguenti artisti del collage, ciascuno a modo suo, sfidano e smantellano le nozioni ristrette sul collage. Ci mostrano quanto sia potente, stimolante e rilevante l’arte del collage ancora oggi ed esplorano continuamente come possono ridefinire e reinventare il mezzo.
1. Laslo Antal – Diari visivi
Il primo della nostra selezione di artisti del collage, Laslo Antal e un artista ungherese dalla Serbia che vive a Berlino. Il fulcro della sua pratica artistica risiede nel mezzo del collage. Nel 2017 ha avviato il progetto artistico quotidiano “Visual Diaries”. Ogni giorno Antal realizza un collage, raccontando un singolo evento di quella giornata. Cio si traduce in una gamma incredibilmente diversificata di argomenti e temi, a volte rivelando i momenti piu intimi ed emotivi dell’artista, altre volte presentando situazioni apparentemente banali o bizzarre esperienze quotidiane. Momenti di vergogna, dolore, frustrazione o assoluta semplicita sono rappresentati tanto spesso quanto momenti di bellezza e successo nella vita quotidiana dell’artista.
Nel suo collage Pain Thing (2019), l’artista si ritrae in agonia: tre teste e tre esofagi conducono in uno stomaco che brucia di un rosso vivo. In Love – spiegando cosi tante volte la stessa cosa (2018), vediamo il ritratto di un uomo che urla, la parte superiore della sua testa che si apre per rivelare il fumo rosso che fuoriesce. Sotto il ritratto, l’artista ha scarabocchiato le parole: “Mi facevi impazzire, ma ora non sento piu niente”. Anche la perdita e la morte vengono elaborate attraverso i collage. In Un rituale nel cimitero, per lasciar andare le cose (2018), vediamo Antal nel mezzo di un momento profondamente personale, spargendo quelli che potrebbero essere petali di fiori, neve o terra sulla tomba di un uomo. Diventa ancora piu diretto in My 70enne D(e)ad (2018), dedicato al padre scomparso. In altri giorni, potrebbe scegliere di riflettere su una semplice serata al passo con gli amici, come in Still a Saturday Still (2019). Ogni evento trova il suo posto nei collage di Antal.
Il progetto mira a sollevare interrogativi su cosa succede all’intimita una volta entrata nella sfera pubblica, sull’inaffidabilita e la volubilita della memoria e sul ruolo dell’artista come testimone e registratore del mondo che ci circonda. Come spiega lo stesso Antal, “mi interessa preservare la memoria della prima, ‘versione grezza’ di un evento, prima che il processo della memoria prenda il sopravvento e rimodelli, addirittura deformi l’evento reale nel corso degli anni. Mentre alcune persone hanno bisogno di molto tempo per elaborare e comprendere gli eventi della vita, io ho bisogno di questa forma immediata di elaborazione o sento di perdere il contatto con quelle esperienze. La persona che ero un anno, o due anni fa, per molti versi e cambiata cosi tanto da diventare la persona che sono oggi. Se non registro le mie esperienze immediate ogni giorno,
Influenze e stile
Visivamente, l’artista cita le sculture monumentali di Henry Moore, i mosaici di Jeno Barcsay e la pittura di Marc Chagall tra le sue numerose ispirazioni. In effetti, le mani distintive di Antal ricordano le mani grandi, ruvide e monolitiche delle figure di Moore. Altrove, le figure voluminose ma sensuali dei mosaici di Barcsay sembrano brillare nelle figure colorate e dinamiche di Antal.
Piuttosto che utilizzare giornali, fotografie o altre immagini e materiali prefabbricati come in lavori di collage piu convenzionali, Antal lavora quasi rigorosamente con i propri disegni e stampe. Utilizzando una tecnica personale sviluppata negli anni, imprime fogli di carta con colori ad olio e acrilici. Quindi li taglia, strappa e incolla, aggiungendo il proprio disegno e dipinto e spesso includendo parole o frasi scritte.
Flusso e messa a terra
I collage di Antal rivelano una prospettiva unica su tutti i piccoli momenti sparsi che compongono la vita umana. Un prolifico narratore visivo, ogni momento diventa importante, dalle notti solitarie in citta ai viaggi esilaranti e alle connessioni profonde. “Come ungherese cresciuto in Serbia negli anni ’80 e ’90 e trasferitosi a Berlino, mi sono spesso sentito fuori posto e in bilico tra mondi, quindi e importante per me stabilire queste connessioni tra i luoghi in cui vivo , ho vissuto e viaggiato”, dice Antal. “Ovunque vada, porto con me la mia cartella di lavoro di 28 cm x 35 cm e i miei materiali, in modo da poter concludere ogni giornata con la pratica di realizzare il mio collage quotidiano. Il collage quotidiano diventa quindi per me una sorta di pratica di radicamento, un rituale di casa, ovunque io sia”.
2. Lance Letscher – Il tiro verso il collage
Continuiamo la nostra panoramica degli artisti del collage con Lance Letscher. Con sede ad Austin, in Texas, il suo lavoro parla dell’idea del collage come modo di lavorare quasi narrativo. Letscher ha iniziato con il disegno e la pittura, prima di dedicarsi a tempo pieno al collage e all’assemblaggio nei primi anni 2000. In un’intervista, spiega: “Ho iniziato a fare collage perche erano veloci e potevo elaborare rapidamente le idee. Disegnare e sempre stato un accento nella mia vita. Userei il disegno per risolvere i problemi. E appena sbocciato da li. In un modo inaspettato, si e sviluppato in una voce che continua ancora oggi”.
Letscher trova spesso materiali in cassonetti, libri a meta prezzo e altri oggetti scartati. Di solito e piu attratto dalle cose che le persone buttano via, portando segni, sporcizia e segni di usura. Tende a raccogliere il suo materiale in pile in base al colore o ad altri indicatori. Quindi, inizia a tagliare i pezzi e ad assemblare le diverse parti, incollando, pressando e ritagliando le diverse parti per creare la loro forma finita. Di solito, Letscher assembla prima le sue diverse parti senza colla, provando diverse composizioni fino a quando non e soddisfatto. Questo puo essere un processo lungo e laborioso. Quando e soddisfatto della composizione, trasferisce le parti su una tavola e le incolla. A causa delle dimensioni del suo lavoro, il tempo di asciugatura puo essere di circa tre giorni.
Trauma e memoria
La memoria gioca un ruolo importante nei collage di Letscher, oltre ad affrontare i suoi traumi psicologici personali. Dopo il suicidio di suo padre nel 2010, Letscher spiega che il suo lavoro e cambiato radicalmente ed e diventato molto piu espressionista, affrontando maggiormente problemi psichiatrici. Allo stesso tempo, una volta che Letscher inizia un’opera d’arte, anche se puo iniziare con una storia che continua a svilupparsi, i materiali con cui lavora sono gli attori principali che guidano il lavoro. Per Letscher, il collage fornisce un linguaggio con cui navigare nel caos della vita e trovare struttura, bellezza e pace. Per quanto caotici possano sembrare i suoi collage, c’e una serenita che si trova li, come nelle molte mani incapsulate in forme geometriche blu che si allungano l’una verso l’altra, in bilico sopra una barca a remi che rimbalza sulle onde in Row Boat (2018).
Il progetto mira a sollevare interrogativi su cosa succede all’intimita una volta entrata nella sfera pubblica, sull’inaffidabilita e la volubilita della memoria e sul ruolo dell’artista come testimone e registratore del mondo che ci circonda. Come spiega lo stesso Antal, “mi interessa preservare la memoria della prima, ‘versione grezza’ di un evento, prima che il processo della memoria prenda il sopravvento e rimodelli, addirittura deformi l’evento reale nel corso degli anni. Mentre alcune persone hanno bisogno di molto tempo per elaborare e comprendere gli eventi della vita, io ho bisogno di questa forma immediata di elaborazione o sento di perdere il contatto con quelle esperienze. La persona che ero un anno, o due anni fa, per molti versi e cambiata cosi tanto da diventare la persona che sono oggi. Se non registro le mie esperienze immediate ogni giorno,
La vita segreta di Lance Letscher
Negli ultimi anni Letscher ha iniziato a lavorare con il metallo come materiale per i suoi collage. Mentre lavorava a un progetto di arte pubblica ad Austin, in Texas, per il quale ha creato il grande murale Big Eye (2015) da rottami metallici, la regista Sandra Odair ha filmato il suo processo di lavoro, sfociando nel documentario The Secret Life of Lance Letscher . Dello stesso periodo e il collage di metallo Hand (2016) di Letscher, un massiccio assemblaggio di ritagli di metallo blu cobalto e rame dall’India. Black Bird di Letscher del 2017 e un altro affascinante collage di metallo. L’immagine apparentemente dolce di un merlo con fiori sulle piume e giustapposta alla dura realta del materiale metallico e delle graffette che ricoprono in modo aggressivo l’opera.
3. Raquel van Haver – La mentalita del collage
Trascorrendo del tempo con i dipinti a strati su larga scala dell’artista olandese di origine colombiana Raquel van Haver, diventa subito chiaro che qui e in gioco una sorta di mentalita da collage. Van Haver ha iniziato a esplorare il suo stile ormai caratteristico, impiegando spessi strati di pittura e aggiungendo spesso oggetti trovati e materiali diversi, quando era all’accademia d’arte di Utrecht. Nel corso degli anni ha iniziato a indagare sempre di piu fino a che punto poteva spingersi. “Per me, gran parte di questo lavoro riguarda la tecnica. Si tratta di capire come manipolare i materiali in modo tale che possano diventare davvero spessi e stratificati e contenere i colori”, spiega Van Haver.
Van Haver inizia con il disegno sulla tela, quindi lavora con un approccio da spesso a sottile. Per prima cosa dipingera uno strato spesso, poi uno sottile e cosi via. Gli oggetti che aggiunge alle sue tele contengono spesso un significato simbolico per l’artista. Qualsiasi cosa, dai mozziconi di sigaretta ai capelli finti, bacchette di batteria, telefoni cellulari, occhi di perline e poster di Nollywood e finita nei suoi dipinti.
Temi
Il lavoro di Van Haver esplora persone di tutti i ceti sociali e tutti gli strati della societa in tutto il mondo. E particolarmente appassionata nel mostrare scorci della vita di persone che di solito potrebbero essere trascurate nella societa o messe da parte: persone che vivono ai margini, persone che sono stigmatizzate ed emarginate. In quanto tale, ha trascorso del tempo a coltivare relazioni con giovani uomini in giro per le strade del suo quartiere ad Amsterdam sud-est ea Londra, con bande di adolescenti a Lagos, in Nigeria, e con persone nelle “favelas” del Sud America. Conosce le persone, in un certo senso inizia a vivere con loro e poi inizia a fotografarle. Queste fotografie, che in seguito utilizza come studi per i suoi dipinti.
4. Vanessa German – Da oggetti trovati verso Assemblage
L’artista di Pittsburgh Vanessa German e cresciuta a Los Angeles negli anni ’80 e ’90, dove sua madre, che faceva la quilt, le ha insegnato in tenera eta a creare i propri mondi attraverso l’espressione artistica. Durante un periodo particolarmente difficile della sua vita adulta, la tedesca inizio a raccogliere oggetti che trovava per le strade di Pittsburgh mentre portava a spasso il suo cane. Portava gli oggetti, dal vetro alle lattine, bottoni, stoffa, bottiglie e ritagli di carta, nel suo seminterrato e iniziava ad assemblarli in opere d’arte. Parlando con Harold C. Ford dell’East Village Magazine, German osserva: “Un frammento di vetro sembra inutile. Ma quando metti insieme quei frammenti puoi creare un’immagine completamente nuova”.
Un perfetto esempio di come gli artisti del collage contemporanei stiano reinventando il mezzo, la pratica dell’assemblaggio a tecnica mista di German oscilla tra la stratificazione di materiali diversi su grandi tavole e una vera esplorazione tridimensionale e scultorea dell’assemblaggio. Queste sono le opere per cui e forse piu conosciuta: i suoi potenti corpi femminili pieni di oggetti trovati ed elementi simbolici. Sono figure di potere simili alla tradizione centrafricana di nkisi, composte da oggetti potenziati (conchiglie, bottiglie, chiavi, sacchetti di tessuto, spago, perline, strass, ecc.) E hanno lo scopo di curare, proteggere e scongiurare il male.
Miracoli e gloria abbondano
Una mostra al Flint Institute of Arts (che e durata fino al 20 aprile 2019) ha presentato come fulcro un’installazione a tecnica mista intitolata Miracles and Glory Abound (2018). Questo impressionante assemblaggio scultoreo e una rappresentazione a grandezza naturale di Washington Crossing the Delaware (1851), l’iconico dipinto di Emanuel Leutze. L’arte di Leutze e una rappresentazione di una storia fondamentale sulla nascita dell’America, raffigurante George Washington che guida i soldati continentali attraverso il fiume Delaware nel 1776. Il pezzo di German sfida direttamente la narrativa di Leutze e chiede ai suoi spettatori di considerare chi sono gli attori che possono decidere e storia della forma. Miracoli e gloria abbondano e una barca piena di figure umane, tutte afroamericane. Come notato da Holly Bass, scrittrice e artista performativa, “Lei (tedesca) inserisce e afferma la sua oscurita, la sua femminilita, la sua bizzarria multivalente, in questa narrativa americana in corso e ci chiede di considerare la nascita di questa nazione, una mitologia di ciliegi tagliati e padri fondatori che giacciono tra i denti di legno”. Le opere di assemblaggio riccamente abbellite di German richiedono una trasformazione comune, la guarigione attraverso l’arte e una rivalutazione delle grandi narrazioni.
5. Wangechi Mutu – Motivi femminili
L’ultima di questa serie di artisti collage all’avanguardia, Wangechi Mutu e un’artista keniota con sede a New York, nota per il suo lavoro in collage, video, scultura e performance. Il suo lavoro esplora questioni di genere, razza e identita personale mentre attraversa la storia dell’arte. I motivi ricorrenti nelle opere di Mutu sono donne mascherate e viticci simili a serpenti, creando la sensazione che l’artista sia impegnata nella sua stessa forma di creazione di miti.
Nella sua mostra del 2014 Nguva na Nyoka (che si traduce in “Sirene e serpenti” in Kiswahili) alla Victoria Miro Gallery, Mutu ha presentato un corpo di collage, video e opere scultoree. Ha attinto a riferimenti che vanno dalla mitologia costiera dell’Africa orientale delle nguvas (“donne d’acqua”), alla politica di genere e razziale, alla cultura popolare occidentale, alla filosofia orientale e antica e all’autobiografia. In tutta l’arte di Mutu regnano le sue potenti figure femminili ibride.
Materiali e forme in collage
Mutu e nota per aver utilizzato Mylar nei suoi dipinti-collage, ma nel corso degli anni ha iniziato a passare al vinile e al linoleum come base per i suoi lavori. Le forme di Mutu sono abilmente ritagliate e assemblate insieme, a cui aggiunge la sua pittura stilizzata e sensuale. Tutti i tipi di materiali inaspettati entrano nei suoi lavori di collage, inclusi te, capelli sintetici, materiali batik, terra del Kenya, piume e sabbia. Mutu qui impregna i suoi pezzi con i propri, specifici significanti culturali. Nel suo lavoro scultoreo fa uso anche dell’olfatto e del suono. Si potrebbero incontrare bottiglie che gocciolano, vino in fermentazione e latte in decomposizione che trasuda dai pezzi di tecnica mista.
Influenze e ispirazione
L’artista del collage afroamericano e influenzato da figure come la dadaista Hannah Hoch e l’artista pop Richard Hamilton. Come Hoch, i collage di Mutu esplorano i ruoli di genere, la politica e la violenza. Attraverso il suo lavoro di collage, ha iniziato a esplorare come la violenza di stato si manifesta sui corpi delle persone. Successivamente, Mutu inizio a realizzare collage di fotografie etnografiche, illustrazioni mediche del XIX secolo e riviste pornografiche. I suoi collage rivelano il corpo femminile come strumento di misurazione della salute di qualsiasi societa.
A volte le sue protagoniste sono influenzate da donne vere (Sarah Baartman, Josephine Baker, Eartha Kitt, Grace Jones e Tina Turner solo per citarne alcune), altre volte sono fusioni della sua immaginazione. Sono spesso muscolosi, erotici, potenti, persino pericolosi.
Mutu, che e nata e cresciuta a Nairobi, poi ha vissuto in Galles e infine si e stabilita negli Stati Uniti, ha sempre esplorato il suo stato di intermezzo. Nelle sue parole, e stata la sua esperienza americana (insieme a tutta la stanchezza che circonda il dover evitare gli stereotipi ignoranti delle persone) che le ha permesso di trovare il modo di incorporare le immagini africane nel suo lavoro. Di conseguenza, le immagini di Mutu presentano una collisione di mondi. Sono visivamente seducenti e tematicamente impegnativi, a volte al limite del grottesco. “Per dare un senso alle cose, devo inventare le cose”, spiega Mutu.
